(johnny K's) about:blank!
te ví, flashié30.12.04
copy&paste
En un blog buenísimo que he descubierto recientemente gracias a que su autor me dejó un comment lindo en el post anterior, Martin Dub Manifest, encontré una propuesta interesantísima, que me parece una alternativa digna a las selecciones barrocas clásicas de "discos del año" que todas las revistas, suplementos y fanáticos hacen cada vez que uno de estos lapsos de 12 meses llega a su fin: en subversión a la música actual (que, como Martín, yo tampoco escucho tanto porque tiende a ser bastante chota), voy a agregar a modo de raconto anuario un top 3 de discos que, aunque no necesariamente de este año, he descubierto y escuchado en el transcurso del 2004 y me han gustado más que el resto.
1. Jubilee - Sex Pistols (2002). Este disco lo rescató mi novia de entre las bateas del Musimundo, casi perdido entre otras muchas bandas aparentemente más taquilleras con la letra "s" que sí tenían más de una copia de su último disco boom. Básicamente, invita a festejar el "Sex Pistols silver jubilee" compilando los singles que en sus años de vida la mítica banda editó. Lo que tiene de bueno es que la tracklist escapa bastante a lo que vendría a ser un compilado standar (que bueno, sería un "Nevermind the bollocks..." con algún temita agregado, he), y trae temas buenísimos como "Friggin' in the Riggin'" (véase "No existís" de Flemita), "C'mon Everybody" (no sabía que los Pistols podían ser tan rockabilly), "The Great Rock 'n' Roll Swindle" o una versión Live de "Pretty Vacant" extraida del Filthy Lucre Tour. Además, trae de yapa los videos de "God Save the Queen", "Anarchy in the U.K." y "Pretty Vacant", que son los tres iguales, pero no importa una pija!. So sweet.
2. Al Poder! - Villanos (2004). Bueno, este sí es de este año y espero no tener que escuchar ningún insulto cuando diga que, a mi criterio, es el mejor disco nacional del 2004. Estética gore de trash movie y un sinfin de hallazgos musicales que ponen de plano las influencias de la banda, entre The Faces y los New York Dolls, combinadas genialmente. Explosivo rock 'n' roll cabeza: al igual que las grandes bandas, pop tocando rapido, furioso, dazed & confused.
Después de editar este disco, independiente, Warner llamó a la banda. Firmaron y lo reeditaron con agregados de dos temas nuevos y un bonus track de cuatro covers, uno mejor que el otro, otro nombre ("Superpoderosos"), sonido más pro (y rockero) y un nuevo arte de tapa. Sin embargo, "Al poder!" le rompe el culo: la estética cuidada de "Superpoderosos" de una pseudo-emulación de "London Calling", con una mala adaptación "cibernética" del logo original hace que pierda toda la gracia. Además, el nombre es muy pretencioso y termina sonando mal.
3. Thank You - Stone Temple Pilots (2003). Si loco, descubrí a los STP este año y debo decir que me volaron la cabeza. Muchísimo poder, altibajos interesantísimos, canciones melosas, ritmos variados, temas ruteros, instrumentos bien ejecutados, buen nivel de lírica. Este disco en particular es una suerte de "Gratests Hits", y por eso lo elijo en vez de poner algún disco en particular de la banda (porque, digamos, la descubrí este año, se entiende). STP resultó ser vanguardia pura, porque inventaron el sonido que luego Mtv produciría mainstream para todas las nuevas bandas de estos últimos años (entre ellas, Velvet Revolver: 0 quintines, una cagada), con todo lo que esto implica (es decir, el sonido que tienen ahora todas las bandas "rockeras", pero mejor, porque es original y porque está en la escencia de la banda).
Bueno... al final me quedaron todos bastante cerca, pero fue puro azar, les juro!
1. Jubilee - Sex Pistols (2002). Este disco lo rescató mi novia de entre las bateas del Musimundo, casi perdido entre otras muchas bandas aparentemente más taquilleras con la letra "s" que sí tenían más de una copia de su último disco boom. Básicamente, invita a festejar el "Sex Pistols silver jubilee" compilando los singles que en sus años de vida la mítica banda editó. Lo que tiene de bueno es que la tracklist escapa bastante a lo que vendría a ser un compilado standar (que bueno, sería un "Nevermind the bollocks..." con algún temita agregado, he), y trae temas buenísimos como "Friggin' in the Riggin'" (véase "No existís" de Flemita), "C'mon Everybody" (no sabía que los Pistols podían ser tan rockabilly), "The Great Rock 'n' Roll Swindle" o una versión Live de "Pretty Vacant" extraida del Filthy Lucre Tour. Además, trae de yapa los videos de "God Save the Queen", "Anarchy in the U.K." y "Pretty Vacant", que son los tres iguales, pero no importa una pija!. So sweet.
2. Al Poder! - Villanos (2004). Bueno, este sí es de este año y espero no tener que escuchar ningún insulto cuando diga que, a mi criterio, es el mejor disco nacional del 2004. Estética gore de trash movie y un sinfin de hallazgos musicales que ponen de plano las influencias de la banda, entre The Faces y los New York Dolls, combinadas genialmente. Explosivo rock 'n' roll cabeza: al igual que las grandes bandas, pop tocando rapido, furioso, dazed & confused.
Después de editar este disco, independiente, Warner llamó a la banda. Firmaron y lo reeditaron con agregados de dos temas nuevos y un bonus track de cuatro covers, uno mejor que el otro, otro nombre ("Superpoderosos"), sonido más pro (y rockero) y un nuevo arte de tapa. Sin embargo, "Al poder!" le rompe el culo: la estética cuidada de "Superpoderosos" de una pseudo-emulación de "London Calling", con una mala adaptación "cibernética" del logo original hace que pierda toda la gracia. Además, el nombre es muy pretencioso y termina sonando mal.
3. Thank You - Stone Temple Pilots (2003). Si loco, descubrí a los STP este año y debo decir que me volaron la cabeza. Muchísimo poder, altibajos interesantísimos, canciones melosas, ritmos variados, temas ruteros, instrumentos bien ejecutados, buen nivel de lírica. Este disco en particular es una suerte de "Gratests Hits", y por eso lo elijo en vez de poner algún disco en particular de la banda (porque, digamos, la descubrí este año, se entiende). STP resultó ser vanguardia pura, porque inventaron el sonido que luego Mtv produciría mainstream para todas las nuevas bandas de estos últimos años (entre ellas, Velvet Revolver: 0 quintines, una cagada), con todo lo que esto implica (es decir, el sonido que tienen ahora todas las bandas "rockeras", pero mejor, porque es original y porque está en la escencia de la banda).
Bueno... al final me quedaron todos bastante cerca, pero fue puro azar, les juro!
28.12.04
i use the best, i use the rest
La explosión del punk, en los años finales de la década del '70, fue el estallido de una de las mayores vanguardias que el siglo XX haya visto nacer. Más que simple musicalidad sucia, cruda y rápida, el movimiento punk implicó una revolución estética y artística que devino directamente del dadaismo y el surrealismo en las décadas precedentes, en conjunción al espíritu de las protestas parisinas del '68 y el movimiento situacionistas francés. Un cocktail flamable e inestable que tomo carne más crudamente que en cualquier otro lado de la mano de los Sex Pistols y, más precisamente, de Jamie Reid, quien fuera su "director artístico", encargado de diseñar los afiches, posters, tapas de disco, imagenes promocionales, etcétera; y quien generara y codificara la imagen estética completa del punk.
Acerca de la época pre-Pistols poco nos interesa decir en este punto y, ese período de su producción artística y militante quedará, en estas líneas, sujeto a la curiosidad particular del lector. Sólo nos cabe decir que Jamie Reid nació en 1947, en una familia socialista, y que desde muy joven encaminó sus estudios hacia el arte. Fue sacudido por los movimientos insurreccionales parisinos de 1968, cuyos ideales abrazó y en donde se encontró por primera vez con la gráfica que marcaría su producción estética: Los posters de propaganda de la revuelta, las consignas poéticas ("pide lo imposible", "la imaginación al poder", todos se las saben de memoria) que sintetizaban efectivamente complejos idearios y los acercaban a todos, haciéndolos accesibles, y, sobretodo, la Internacional Situacionista (IS).
La IS era un grupo que había nacido en 1957, organizada por Guy Debord y que tubo como principal referente a los dadaistas Hugo Ball y Tristan Tzara y los surrealistas de la década del '30. La propuesta estética era la negación del arte, la utilización de graffitis, comics, imagenes bastardas del establishment publicitario y demás sobras modernas. ¿Do you remember...?.
Jamie Reid y Malcom McLaren habían sido compañeros de escuela durante los sucesos del '68, y ambos habían militado activamente desde las calles londinenses. Años después de estos sucesos, Malcom McLaren le escribió a su viejo amigo diciéndole "tengo a estos chicos...". Era 1976 y casi casi que nacía todo.
La estética de los Sex Pistols, en las manos de Jamie Reid, se convirtió entonces en un furioso compilado de imagenes recortadas, unidas nuevamente con el fin de crear mensajes nuevos, con una estética sucia, underground y, sobretodo, baratísima. Reid utilizaba los viejos recursos clásicos del cut&paste para resignificar lo banal y trivial de la imagen mainstream. Perfecta consonancia.
Quizás su obra más reconocida e influyente es la tapa del disco "Nevermind the bollocks, here's the Sex Pistols", de 1977.
Aunque, claro, jamás cometeríamos el pecado de olvidar el alfiler de gancho en la boca de la reina, que fue producto de la relectura de viejos volantes y afiches del Mayo Francés, en donde se veían momias con alfileres de gancho. El alfiler de gancho, aparte, también tenía otro significado para la cultura punk: la de oponerse a la estética de las joyas y los accesorios de las clases altas. Así, los alfileres de gancho en las orejas, las cadenas alrededor del cuello, las tachas en los cinturones y pulseras, etc. componían la rancia bijouterie del jóven londinense histérico de rabia punki. De esta forma, Jamie Reid logró compilar en un mismo símbolo dos íconos: el de la estética de los movimientos situacionistas durante el Mayo Francés y el de la contracultura punk.
Estas imagenes de la reina intervenidas, con alfileres de gancho y demás vejaciones sin decoro devinieron en lo que sería la tapa del segundo single de la banda: "God Save the Queen". Años más tarde, esta tapa sería elegida como la mejor portada de disco de todos los tiempos.
+ Links:
sitio oficial de Jamie Reid
britart.com: Jamie Reid
Acerca de la época pre-Pistols poco nos interesa decir en este punto y, ese período de su producción artística y militante quedará, en estas líneas, sujeto a la curiosidad particular del lector. Sólo nos cabe decir que Jamie Reid nació en 1947, en una familia socialista, y que desde muy joven encaminó sus estudios hacia el arte. Fue sacudido por los movimientos insurreccionales parisinos de 1968, cuyos ideales abrazó y en donde se encontró por primera vez con la gráfica que marcaría su producción estética: Los posters de propaganda de la revuelta, las consignas poéticas ("pide lo imposible", "la imaginación al poder", todos se las saben de memoria) que sintetizaban efectivamente complejos idearios y los acercaban a todos, haciéndolos accesibles, y, sobretodo, la Internacional Situacionista (IS).
La IS era un grupo que había nacido en 1957, organizada por Guy Debord y que tubo como principal referente a los dadaistas Hugo Ball y Tristan Tzara y los surrealistas de la década del '30. La propuesta estética era la negación del arte, la utilización de graffitis, comics, imagenes bastardas del establishment publicitario y demás sobras modernas. ¿Do you remember...?.
Jamie Reid y Malcom McLaren habían sido compañeros de escuela durante los sucesos del '68, y ambos habían militado activamente desde las calles londinenses. Años después de estos sucesos, Malcom McLaren le escribió a su viejo amigo diciéndole "tengo a estos chicos...". Era 1976 y casi casi que nacía todo.
No era el fenómeno en sí lo que me interesaba. Vi al punk como parte de un movimiento artístico que venía desde hace por lo menos cien años, con raíces en la propaganda de agitación rusa, el surrealismo, dada y el situacionismo. Solía hablar bastante con John Lydon acerca de los situacionistas, y del Suburban Press. Los Sex Pistols parecían el vehículo perfecto para comunicar ideas de forma directa a la gente que no era receptible a los mensajes del ala política izquierda (Jaime Reid, citado en Katarsis Zine)
La estética de los Sex Pistols, en las manos de Jamie Reid, se convirtió entonces en un furioso compilado de imagenes recortadas, unidas nuevamente con el fin de crear mensajes nuevos, con una estética sucia, underground y, sobretodo, baratísima. Reid utilizaba los viejos recursos clásicos del cut&paste para resignificar lo banal y trivial de la imagen mainstream. Perfecta consonancia.
Quizás su obra más reconocida e influyente es la tapa del disco "Nevermind the bollocks, here's the Sex Pistols", de 1977.
Aunque, claro, jamás cometeríamos el pecado de olvidar el alfiler de gancho en la boca de la reina, que fue producto de la relectura de viejos volantes y afiches del Mayo Francés, en donde se veían momias con alfileres de gancho. El alfiler de gancho, aparte, también tenía otro significado para la cultura punk: la de oponerse a la estética de las joyas y los accesorios de las clases altas. Así, los alfileres de gancho en las orejas, las cadenas alrededor del cuello, las tachas en los cinturones y pulseras, etc. componían la rancia bijouterie del jóven londinense histérico de rabia punki. De esta forma, Jamie Reid logró compilar en un mismo símbolo dos íconos: el de la estética de los movimientos situacionistas durante el Mayo Francés y el de la contracultura punk.
Estas imagenes de la reina intervenidas, con alfileres de gancho y demás vejaciones sin decoro devinieron en lo que sería la tapa del segundo single de la banda: "God Save the Queen". Años más tarde, esta tapa sería elegida como la mejor portada de disco de todos los tiempos.
+ Links:
25.12.04
don't try to take me to a disco
"Rocking" era un término comunmente utilizado por los cantantes de las iglesias carismáticas negras (aquello conocido como "gospel music") en Estados Unidos para describir un estado de éxtasis espiritual. Sí, un estado religioso de extasis espiritual.
Sin embargo, fue hacia 1947 cuando el cantante de blues Roy Brown popularizó el término con la canción "Good Rockin Tonight" (reversionada un año después mucho más violentamente por Wynonie Harris), otorgándole al término un doble sentido no muy ajeno a la comprensión que el blues y sus estilos derivados le daban al término: como una alusión al baile desenfrenado y, por supuesto, al sexo.
Claro está, para esa época no era taaan descabellado asociar "rocking" al grácil acto de curtir, pero el tema de Brown implicó un hito en tanto que sacó al género (y al término) fuera de las jukeboxes y lo puso en rotación por las radios (we want the airwaves, baby).
El éxito de "Good Rocking Tonight" impulsó a la mayoría de los artistas de rhythm & blues en los late 40s a nombrar a sus canciones utilizando el término, hasta que, finalmente, en 1949, Wild Bill Moore grabó una canción llamada, por primera vez, "Rock and Roll".
Aún el término "Rock and roll" no designaba ningún particular estilo de música e, incluso, el éxito del rhythm & blues a nivel mainstream era aún relativo y de poco peso.
Esto se terminaría cuando, en 1951, el disc Jockey de Cleveland, Alan Freed, comenzaría a pasar en la radio, y para una audiencia completamente blanca, esta nueva "wild variacion" del r&b, combinado con elementos del blues, el jazz, el boogie y la música country y western que el mismo llamo Rock 'n' roll de una vez y para siempre.
Según Peter Guralnick (eminente estudioso de la historia del rock), el primer tema de rock 'n' roll fue "Rocket 88", grabado en 1951 por Jackie Brenston and his Delta Cats, y que es una suerte de oda a las bondades del Oldsmobile Rocket 88.
El Oldsmobile Rocket 88 era, obviamente, este auto.
No confundan este tema con el homónimo de Aerosmith porque no tiene nada que ver (el tema es trucho, la banda es trucha, en fin, una vejación!). Pueden encontrar, si así lo desean, excelentes versiones de este tema por Bill Halley and his Comets o el genial James Cotton, que se zarpa.
[offtop: la intro de piano de este tema en su versión original fue copiada tecla por tecla, más tarde, por Little Richard para su inmortal "Lucille"]
V-8 motor and this modern design,
My convertible top and the gals don't mind
Sportin' with me, ridin' all around town for joy.
(Blow your horn, Rocket, blow your horn!)
Sin embargo, fue hacia 1947 cuando el cantante de blues Roy Brown popularizó el término con la canción "Good Rockin Tonight" (reversionada un año después mucho más violentamente por Wynonie Harris), otorgándole al término un doble sentido no muy ajeno a la comprensión que el blues y sus estilos derivados le daban al término: como una alusión al baile desenfrenado y, por supuesto, al sexo.
Claro está, para esa época no era taaan descabellado asociar "rocking" al grácil acto de curtir, pero el tema de Brown implicó un hito en tanto que sacó al género (y al término) fuera de las jukeboxes y lo puso en rotación por las radios (we want the airwaves, baby).
El éxito de "Good Rocking Tonight" impulsó a la mayoría de los artistas de rhythm & blues en los late 40s a nombrar a sus canciones utilizando el término, hasta que, finalmente, en 1949, Wild Bill Moore grabó una canción llamada, por primera vez, "Rock and Roll".
Aún el término "Rock and roll" no designaba ningún particular estilo de música e, incluso, el éxito del rhythm & blues a nivel mainstream era aún relativo y de poco peso.
Esto se terminaría cuando, en 1951, el disc Jockey de Cleveland, Alan Freed, comenzaría a pasar en la radio, y para una audiencia completamente blanca, esta nueva "wild variacion" del r&b, combinado con elementos del blues, el jazz, el boogie y la música country y western que el mismo llamo Rock 'n' roll de una vez y para siempre.
Según Peter Guralnick (eminente estudioso de la historia del rock), el primer tema de rock 'n' roll fue "Rocket 88", grabado en 1951 por Jackie Brenston and his Delta Cats, y que es una suerte de oda a las bondades del Oldsmobile Rocket 88.
El Oldsmobile Rocket 88 era, obviamente, este auto.
No confundan este tema con el homónimo de Aerosmith porque no tiene nada que ver (el tema es trucho, la banda es trucha, en fin, una vejación!). Pueden encontrar, si así lo desean, excelentes versiones de este tema por Bill Halley and his Comets o el genial James Cotton, que se zarpa.
[offtop: la intro de piano de este tema en su versión original fue copiada tecla por tecla, más tarde, por Little Richard para su inmortal "Lucille"]
V-8 motor and this modern design,
My convertible top and the gals don't mind
Sportin' with me, ridin' all around town for joy.
(Blow your horn, Rocket, blow your horn!)
20.12.04
Suck it!
Una de las bandas más importantes de la historia de la música nacional es una banda que no existe: en 1995 editaron su primer disco, "Gordura Vegetal Hidrogenada", que consistía en una tapa sin cd adentro. O quizás ni siquiera eso, porque la verdad es que nadie sabe si este disco existe realmente, si alguna vez fue algo más que ese nombre. Tambien lo podemos encontrar bajo el nombre de "dematerialised CD", sin fecha de edición, sin compañía discográfica, sin cd (bueno, seguramente, jamás lo encontremos). Lo cierto de este disco es que, según los miembros de la banda, todos lo tienen: desde Platón hasta los que todavía no han tenido el privilegio de nacer.
Alan Courtis, Roberto Conlazo y Miguel Tomasín conforman Reynols, una de las bandas que prueba que no es necesario siquiera hacer música para convertirse en un hito mundial en la historia de la música. De hecho, el sinfin de discos, cassettes y grabaciones que Reynols enumera en su haber es un consomé pastoso de experimentación dadaista: "10.000 Chickens Symphony" (2000) es un compilado de sonidos de pollos grabado en Entre Rios, bajo formato de dudosa sinfonía. Los miembros de la banda dicen que es el único disco en la historia en donde todos los músicos fueron asesinados y deglutidos después de la grabación. "Blank Tapes" (1978-1999, editado en 2000), por otra parte, está compuesto integralmente por una suceción de los "vacios" entre tema y tema de cientos de viejos cassettes baratos. O "Fire Music" (2003), canciones hechas con ruidos de llamas grabadas en el Tigre.
Reynols es una de las bandas de cabecera de Pauline Oliveiros ("considerada una de las compositoras más importantes del siglo y con quien tuvieron la oportunidad de hacer una grabación en conjunto, editada en los EE.UU. y Europa" Katarsis E-Zine). Cuando los integrantes de Sonic Youth vinieron a la Argentina la última vez, buscaron desesperadamente CDs de la banda; lamentablemente no pudieron encontrar ninguno, pues en Argentina jamás hubo nada de ellos. Sus más de 100 discos sólo encontraron eco en Europa y Estados Unidos, en donde sí fueron editados.
La (no)filosofía de Miguel Tomasín (baterista y lider espiritual de la banda) merece capitulos extensísimos aparte: en UBU.com hay una "INTRODUCTION TO TOMASIN'S (NON)PHYLOSOPHY" (además de varios fragmentos de discos y grabaciones de la banda, para quien se interese). Algunos comentarios:
Q: ¿Cuál es la cosa más importante en tu vida?
MT: Las fotocopias
MT: El resultado del partido estaba 1 a 1.
Q: Entonces, ¿quién marcó los tantos?
MT: Nadie.
Q: ¿Existen los extraterrestres?
MT: No.
Q: Pero, ¿no los viste?
MT: Sí, los vi, pero no existen.
Q: ¿Cómo eras antes de nacer?
MT: Más grande.
En fin, estos escasos fragmentos sirven para darse una idea del grado genial o delirio de composición dadaista de su lider que, por cierto, tenía síndrome de dawn (oops). Una vez estaban tocando sus instrumentos a muy alto volumen, y a Tomasín se lo veía golpeando el piso casi imperceptiblemente, cuando le preguntaron qué estaba haciendo, dijo que estaba tocando ("playing", en el sentido de tocar un instrumento) la tierra.
En Abril de este año la banda (si es que acaso alguna vez existió) se separó, dejando de lado su proyecto de editar un disco integramente ejecutando las lápidas de personalidades famosas, como Jorge Luis Borges, Jim Morrison y Oscar Wilde, entre otros ("[...]Oscar Wilde statue sounds incredible. We played it with roses. We use different things to play each grave"**). Aunque no tan de lado, pues en el comunicado de prensa que lanzaron anunciando la separación, afirmaron que "todavía saldrán algunos discos más con ese nombre, con material que grabamos durante el 2003 y antes. Y tenemos cerca de 100 o 200 horas de grabaciones que aparecerán tarde o temprano: suficiente para que nadie extrañe a la banda en los próximos años".
Do you get it?
[dato: jamás tocaron un mismo tema dos veces, sus presentaciones en vivo eran todas diferentes entre sí y diferentes de los discos
dato2: mi amigo Phylos los vio en vivo en los late 90s en el parque centenario y, de aquella experiencia traumático me ha dejado la anécdota: los primeros 4 minutos de recital, después de anunciar un "tema del último disco, que en realidad no es un disco, ni tampoco es un tema", los Reynols hicieron mímica con los instrumentos para una treintena de personas entre desconcertadas e incómodas]
Alan Courtis, Roberto Conlazo y Miguel Tomasín conforman Reynols, una de las bandas que prueba que no es necesario siquiera hacer música para convertirse en un hito mundial en la historia de la música. De hecho, el sinfin de discos, cassettes y grabaciones que Reynols enumera en su haber es un consomé pastoso de experimentación dadaista: "10.000 Chickens Symphony" (2000) es un compilado de sonidos de pollos grabado en Entre Rios, bajo formato de dudosa sinfonía. Los miembros de la banda dicen que es el único disco en la historia en donde todos los músicos fueron asesinados y deglutidos después de la grabación. "Blank Tapes" (1978-1999, editado en 2000), por otra parte, está compuesto integralmente por una suceción de los "vacios" entre tema y tema de cientos de viejos cassettes baratos. O "Fire Music" (2003), canciones hechas con ruidos de llamas grabadas en el Tigre.
Reynols es una de las bandas de cabecera de Pauline Oliveiros ("considerada una de las compositoras más importantes del siglo y con quien tuvieron la oportunidad de hacer una grabación en conjunto, editada en los EE.UU. y Europa" Katarsis E-Zine). Cuando los integrantes de Sonic Youth vinieron a la Argentina la última vez, buscaron desesperadamente CDs de la banda; lamentablemente no pudieron encontrar ninguno, pues en Argentina jamás hubo nada de ellos. Sus más de 100 discos sólo encontraron eco en Europa y Estados Unidos, en donde sí fueron editados.
La (no)filosofía de Miguel Tomasín (baterista y lider espiritual de la banda) merece capitulos extensísimos aparte: en UBU.com hay una "INTRODUCTION TO TOMASIN'S (NON)PHYLOSOPHY" (además de varios fragmentos de discos y grabaciones de la banda, para quien se interese). Algunos comentarios:
Q: ¿Cuál es la cosa más importante en tu vida?
MT: Las fotocopias
MT: El resultado del partido estaba 1 a 1.
Q: Entonces, ¿quién marcó los tantos?
MT: Nadie.
Q: ¿Existen los extraterrestres?
MT: No.
Q: Pero, ¿no los viste?
MT: Sí, los vi, pero no existen.
Q: ¿Cómo eras antes de nacer?
MT: Más grande.
En fin, estos escasos fragmentos sirven para darse una idea del grado genial o delirio de composición dadaista de su lider que, por cierto, tenía síndrome de dawn (oops). Una vez estaban tocando sus instrumentos a muy alto volumen, y a Tomasín se lo veía golpeando el piso casi imperceptiblemente, cuando le preguntaron qué estaba haciendo, dijo que estaba tocando ("playing", en el sentido de tocar un instrumento) la tierra.
En Abril de este año la banda (si es que acaso alguna vez existió) se separó, dejando de lado su proyecto de editar un disco integramente ejecutando las lápidas de personalidades famosas, como Jorge Luis Borges, Jim Morrison y Oscar Wilde, entre otros ("[...]Oscar Wilde statue sounds incredible. We played it with roses. We use different things to play each grave"**). Aunque no tan de lado, pues en el comunicado de prensa que lanzaron anunciando la separación, afirmaron que "todavía saldrán algunos discos más con ese nombre, con material que grabamos durante el 2003 y antes. Y tenemos cerca de 100 o 200 horas de grabaciones que aparecerán tarde o temprano: suficiente para que nadie extrañe a la banda en los próximos años".
Do you get it?
[dato: jamás tocaron un mismo tema dos veces, sus presentaciones en vivo eran todas diferentes entre sí y diferentes de los discos
dato2: mi amigo Phylos los vio en vivo en los late 90s en el parque centenario y, de aquella experiencia traumático me ha dejado la anécdota: los primeros 4 minutos de recital, después de anunciar un "tema del último disco, que en realidad no es un disco, ni tampoco es un tema", los Reynols hicieron mímica con los instrumentos para una treintena de personas entre desconcertadas e incómodas]
14.12.04
Satisfy my soul
Lo que no pueden perderse por nada del mundo es la tercera edición del festival de Garage Rock más importante de Buenos Aires: El Garage Attack!
Se van a presentar AUTORAMAS (brasil), THE TORMENTOS, LOS PEYOTES y LOS KAHUNAS (q vienen del B.A. Stomp pasado). Además va a haber Dj's en vivo, cocktails, pelis en pantalla gigante, feria de discos y remeras y, por supuesto, "mucho, pero mucho más!!!".
Las entradas se consiguen anticipadas a $5 en los siguientes lugares:
- GARAGELAND (av. Sta. Fe 1480, subsuelo)
- FLAMEJOB (gal. Bond Street l. 34)
- TATTOMANIA (gal. Le Boulevard l. 49, av. Rivadavia 6733)
Y sino en la puerta, que ahi están $7.
Todo esto va a ser en "Villa Malcom", av. Córdoba 5064 y dará inicio a las 24.00 hs. Yo digo que ni en pedo se lo pierdan. O sea... ¿qué otra cosa mejor hay para hacer? ¿ir a ver a Callejeros? pffffffff! daaah...
+Info: http://www.garageattack.8m.com/
[y acuerdensé también que el 17 toca Villanos en El Teatro a las 22.00 hs., pesentado el último disco, a $10 mangos en los lugares de siempre]
Se van a presentar AUTORAMAS (brasil), THE TORMENTOS, LOS PEYOTES y LOS KAHUNAS (q vienen del B.A. Stomp pasado). Además va a haber Dj's en vivo, cocktails, pelis en pantalla gigante, feria de discos y remeras y, por supuesto, "mucho, pero mucho más!!!".
Las entradas se consiguen anticipadas a $5 en los siguientes lugares:
- GARAGELAND (av. Sta. Fe 1480, subsuelo)
- FLAMEJOB (gal. Bond Street l. 34)
- TATTOMANIA (gal. Le Boulevard l. 49, av. Rivadavia 6733)
Y sino en la puerta, que ahi están $7.
Todo esto va a ser en "Villa Malcom", av. Córdoba 5064 y dará inicio a las 24.00 hs. Yo digo que ni en pedo se lo pierdan. O sea... ¿qué otra cosa mejor hay para hacer? ¿ir a ver a Callejeros? pffffffff! daaah...
+Info: http://www.garageattack.8m.com/
[y acuerdensé también que el 17 toca Villanos en El Teatro a las 22.00 hs., pesentado el último disco, a $10 mangos en los lugares de siempre]
10.12.04
I feel safe in New York City
Siempre me gustó mucho más Nueva York que Londres, incluso a pesar de que jamás he estado en ninguna de ambas ciudades. Sin embargo, y por ello, para el lector avezado he aquí una lista top ten (10) de discos escenciales neoyorkinos para tener en cuenta con la avanzada de la navidad pronto a estallar, sin orden particular ni jerarquías específicas.
Debo decir, para no atribuirme impropias atribuciones que la lista es un reciclado de una que en Enero del 2004 sacó la revista "Rolling Stone" y que yo, en esa época, leia en la playita, aún feliz. Fiel al estilo holista y exagerado de la revista, se publicaron una centena de discos neoyorkinos supuestamente "esenciales". A mi me parece que jamás 100 discos en un espectro de producción geográfica tan acotado (aunque, ciertamente, tan prolífico y rico) pueden ser "esenciales" ni mucho menos, asi que, a continuación, mi lista personal, de tan sólo 10 (y por ello, muchisimo más ambiciosa).
[NdR: ¿Notaron como siempre la Rolling Stone queda bien con todo el mundo publicando exageradas cantidades de discos o temas o de lo que sea que esté haciendo raconto? El último número de esta revista cuenta con los "50 discos esenciales del 2004". Una ranada para quedar bien con todos, el 90% son absolutamente presindibles]
#1. Blank Generation de Richard Hell & The Voidoids (1977). Bueno, en fin, no tengo realmente mucho que decir acerca de este disco excepto que resume en 12 canciones el espíritu de una época. Richard Hell, ex-Television y Bob Quine, mención aparte.
#2. End of Century de The Ramones (1980). De Ramones uno podría poner absolutamente toda la discografía como "esencial-neoyorkina". La Rolling Stone eligió particularmente este (entre algunos otros) y no me parece para nada mal. Un disco caótico, la plasticidad del rock, Phil Spector de productor y "¿tu recuerdas la radio rock 'n' roll?"
#3. Horses de Patti Smith (1975). El primer disco de Patti Smith, pegoteando rock 'n' roll y poesía maldita. Sabotaje al buen gusto, delirio garantizado: este disco alguna vez me convirtió al rock.
#4. Peel Slowly and See de Velvet Underground (1967 - 1970). La franja anuaria es porque este no es un disco, sino más bien, una caja que compila los cuatro álbumes de estudio de una de las bandas más importantes en la historia, oponiendo al sueño hippie@lsd, la "luz blanca" anfetamínica del rock. Don't you dear forgetin' Lou Reed.
#5. Marquee Moon de Television (1977). Me estoy dando cuenta que no existe la música después de los '70. Ni pienso decir nada sobre este disco: obsesión geométrica, nihilismo y un disco tan brillante como el título.
#6. The New York Dolls de The New York Dolls (1973). Véase el post de abajito.
#7. Fear of Music de Talking Heads (1979). Brian Eno junto a los Talking Heads en la producción de este disco que, desde la apertura hasta el final deja en claro de que forma el rock 'n' roll es una vanguardia de las más importantes (y vanguardistas).
#8. Street Hassle de Lou Reed (1977). Onda, Lou Reed cuando hace canciones es una mierda, y cuando hace lo que hace en este disco es una genialidad. I wanna be black too.
#9. Parallel Lines de Blondie (1978). Bueno, sí, puse un disco de Blondie... ¿y qué?. Dice la revi: "Otro de los aciertos de Blondie fue lograr, desde el mainstream, conjugar el sentimiento del CBGB con la frivolidad del Studio 54, y no sólo salir indemne de ese matrimonio, sino crear una nueva tendencia, hoy reflotada por los electroclashers"
#10. Destroyer de Kiss (1976). ¿Qué puedo decir? AMO Kiss.
[Nota Final: Bueno, ningún disco va del '80 en adelante, pero el por qué es OBVIO. Los Beastie Boys todavía no son THAT esenciales.]
[Nota Final 2: La propaganda que cierra la revista, de CTI Movil, ostenta el slogan: "El rock 'n' roll se aburguesó. Vos no podes ser menos". Ya me había dicho Naomi Klein que esto iba a pasar]
Debo decir, para no atribuirme impropias atribuciones que la lista es un reciclado de una que en Enero del 2004 sacó la revista "Rolling Stone" y que yo, en esa época, leia en la playita, aún feliz. Fiel al estilo holista y exagerado de la revista, se publicaron una centena de discos neoyorkinos supuestamente "esenciales". A mi me parece que jamás 100 discos en un espectro de producción geográfica tan acotado (aunque, ciertamente, tan prolífico y rico) pueden ser "esenciales" ni mucho menos, asi que, a continuación, mi lista personal, de tan sólo 10 (y por ello, muchisimo más ambiciosa).
[NdR: ¿Notaron como siempre la Rolling Stone queda bien con todo el mundo publicando exageradas cantidades de discos o temas o de lo que sea que esté haciendo raconto? El último número de esta revista cuenta con los "50 discos esenciales del 2004". Una ranada para quedar bien con todos, el 90% son absolutamente presindibles]
#1. Blank Generation de Richard Hell & The Voidoids (1977). Bueno, en fin, no tengo realmente mucho que decir acerca de este disco excepto que resume en 12 canciones el espíritu de una época. Richard Hell, ex-Television y Bob Quine, mención aparte.
#2. End of Century de The Ramones (1980). De Ramones uno podría poner absolutamente toda la discografía como "esencial-neoyorkina". La Rolling Stone eligió particularmente este (entre algunos otros) y no me parece para nada mal. Un disco caótico, la plasticidad del rock, Phil Spector de productor y "¿tu recuerdas la radio rock 'n' roll?"
#3. Horses de Patti Smith (1975). El primer disco de Patti Smith, pegoteando rock 'n' roll y poesía maldita. Sabotaje al buen gusto, delirio garantizado: este disco alguna vez me convirtió al rock.
#4. Peel Slowly and See de Velvet Underground (1967 - 1970). La franja anuaria es porque este no es un disco, sino más bien, una caja que compila los cuatro álbumes de estudio de una de las bandas más importantes en la historia, oponiendo al sueño hippie@lsd, la "luz blanca" anfetamínica del rock. Don't you dear forgetin' Lou Reed.
#5. Marquee Moon de Television (1977). Me estoy dando cuenta que no existe la música después de los '70. Ni pienso decir nada sobre este disco: obsesión geométrica, nihilismo y un disco tan brillante como el título.
#6. The New York Dolls de The New York Dolls (1973). Véase el post de abajito.
#7. Fear of Music de Talking Heads (1979). Brian Eno junto a los Talking Heads en la producción de este disco que, desde la apertura hasta el final deja en claro de que forma el rock 'n' roll es una vanguardia de las más importantes (y vanguardistas).
#8. Street Hassle de Lou Reed (1977). Onda, Lou Reed cuando hace canciones es una mierda, y cuando hace lo que hace en este disco es una genialidad. I wanna be black too.
#9. Parallel Lines de Blondie (1978). Bueno, sí, puse un disco de Blondie... ¿y qué?. Dice la revi: "Otro de los aciertos de Blondie fue lograr, desde el mainstream, conjugar el sentimiento del CBGB con la frivolidad del Studio 54, y no sólo salir indemne de ese matrimonio, sino crear una nueva tendencia, hoy reflotada por los electroclashers"
#10. Destroyer de Kiss (1976). ¿Qué puedo decir? AMO Kiss.
[Nota Final: Bueno, ningún disco va del '80 en adelante, pero el por qué es OBVIO. Los Beastie Boys todavía no son THAT esenciales.]
[Nota Final 2: La propaganda que cierra la revista, de CTI Movil, ostenta el slogan: "El rock 'n' roll se aburguesó. Vos no podes ser menos". Ya me había dicho Naomi Klein que esto iba a pasar]
9.12.04
Glitter Baby
En post anteriores nos extendimos no tan extensamente sobre un género que en la década del '60 surgió en Estados Unidos bajo el nombre de garage rock y que supuse las primeras versiones de lo que luego, en la segunda mitad de los '70 sería uno de los movimientos de vanguardia más importantes del siglo XX: el punk rock.
Sin embargo es imposible entender este pasaje, de tamaña importancia para la historia del rock 'n' roll, sin la consideración de los primeros años de la década del '70 y las bandas que operaron como visagra entre uno y otro estilo, y permitieron la transición, no como una evolución lineal, sino como un encadenamiento de sucesos rabiosamente contradictorios.
Los críticos llamaban art rock al estilo de rock que por estos años tenía como principales estandartes a bandas como Pink Floyd, King Crimson, Genesis o Yes, con un estilo prolijo, de alta ejecución instrumental y ritmos y melodías experimentales con influencias en el jazz y la música clásica. Lo que para mi es bourgeois rock.
A este estilo se le opuso un movimiento particularmente lindo, inglés en sus comienzos, que ponía el énfasis en la radicalización de la superficialidad y la descarada búsqueda de fama y dinero. Se intentaba desnudar la verdadera esencia de la vida humana por oposición a los ambiciosos y profundos tópicos que el art rock proponía a través de su música.
El glam rock, de esta forma, implicaba estrellas disfrazados de andróginos, hombres con cantidades extremas de maquillaje y rabiosos outfits, no muy distintos a los que Elvis Presley solía usar en sus primeros shows en cabarets. La ambigüedad sexual era el tópico favorito de estos músicos que, con pretensiones de estrellato, pivoteaban torno a una particular extravagancia avant-garde.
El ejemplo más famoso es, sin lugar a dudas, David Bowie, durante su Ziggy Stardust era. Sin embargo aquí nos interesa la manifestación de este estilo en los Estados Unidos: Entre MC5 y The Sex Pistols existió, en la primera mitad de los '70, una banda de glam rock, fundamental para entender, como quien dice, todo: Las muñecas de Nueva York.
New York Dolls estaba conformada por David Johannsen como frontman, Arthur "Killer" Kane en el bajo, Sylvain Sylvain en segunda viola, Bill Murray en la batería y, por supuesto, el genial Johnny Thunders en lead guitar, quizás uno de los íconos más histéricos del rock 'n' roll y también uno de los más desapercibidos... aunque con todo este revival rockero que ha puesto a todo el género en las vitrinas de los negocios de moda, es probable que los New York Dolls y, más específicamente, la figura de Johnny Thunders, aparezcan más difundidas en la actualidad entre el "gran público".
Los New York Dolls sólo llegaron a editar dos discos: "New York Dolls" (1973) y "Too Much Too Soon" (1974). Este último bastante inferior al primero que es, sin lugar a dudas, uno de los discos más importantes en la historia del rock, con temas tan imposibles como "Personality Crisis", "Looking for a Kiss" o "Pills", de ese rock 'n' roll crudo y desposeído con el que tanto nos gusta afiebrarnos.
"All about that Personality Crisis you got it while it was hot
But now frustration and heartache is what you got"
La banda se separó hacia fines del '74 por tensiones entre los miembros y, por supuesto, "drug-related problems". A pesar de que Johannsen continuó con su carrera solista bajo el seudónimo de Buster Poindexter, fue verdaderamente Johnny Thunders quien amplió los límites de genialidad del género al fundar, posteriormente, The Heartbreakers junto a otro hito del rock: Richard Hell de Television y editar, en el '78 lo que fuera el único disco de esta banda: "L.A.M.F., the lost '77 mixes".
La curiosidad es que el mismo Malcom McLaren fue manager de los New York Dolls previamente a "descubrir" y convertirse en uno de los principales ideólogos de The Sex Pistols, acaso una de las bandas más importantes en la historia del rock, fundadora del punk rock. Es cabal como, incluso, la superficialidad propia del glam rock como tópico estaba presente en la banda londinense, lo cual es un sólido argumento en contra de cualquier intento de "anarquización" del movimiento punk que, en sus inicios, era completamente apolitico y más cercano de una reacción generacional highschool "anti-todo" que de la revolución en estos términos ideológicos. Y por eso yo siempre diré que el anarco-punk es un producto desviado de medio mentiritas, pero ese es, realmente, otro tema.
Sin embargo es imposible entender este pasaje, de tamaña importancia para la historia del rock 'n' roll, sin la consideración de los primeros años de la década del '70 y las bandas que operaron como visagra entre uno y otro estilo, y permitieron la transición, no como una evolución lineal, sino como un encadenamiento de sucesos rabiosamente contradictorios.
Los críticos llamaban art rock al estilo de rock que por estos años tenía como principales estandartes a bandas como Pink Floyd, King Crimson, Genesis o Yes, con un estilo prolijo, de alta ejecución instrumental y ritmos y melodías experimentales con influencias en el jazz y la música clásica. Lo que para mi es bourgeois rock.
A este estilo se le opuso un movimiento particularmente lindo, inglés en sus comienzos, que ponía el énfasis en la radicalización de la superficialidad y la descarada búsqueda de fama y dinero. Se intentaba desnudar la verdadera esencia de la vida humana por oposición a los ambiciosos y profundos tópicos que el art rock proponía a través de su música.
El glam rock, de esta forma, implicaba estrellas disfrazados de andróginos, hombres con cantidades extremas de maquillaje y rabiosos outfits, no muy distintos a los que Elvis Presley solía usar en sus primeros shows en cabarets. La ambigüedad sexual era el tópico favorito de estos músicos que, con pretensiones de estrellato, pivoteaban torno a una particular extravagancia avant-garde.
El ejemplo más famoso es, sin lugar a dudas, David Bowie, durante su Ziggy Stardust era. Sin embargo aquí nos interesa la manifestación de este estilo en los Estados Unidos: Entre MC5 y The Sex Pistols existió, en la primera mitad de los '70, una banda de glam rock, fundamental para entender, como quien dice, todo: Las muñecas de Nueva York.
New York Dolls estaba conformada por David Johannsen como frontman, Arthur "Killer" Kane en el bajo, Sylvain Sylvain en segunda viola, Bill Murray en la batería y, por supuesto, el genial Johnny Thunders en lead guitar, quizás uno de los íconos más histéricos del rock 'n' roll y también uno de los más desapercibidos... aunque con todo este revival rockero que ha puesto a todo el género en las vitrinas de los negocios de moda, es probable que los New York Dolls y, más específicamente, la figura de Johnny Thunders, aparezcan más difundidas en la actualidad entre el "gran público".
Los New York Dolls sólo llegaron a editar dos discos: "New York Dolls" (1973) y "Too Much Too Soon" (1974). Este último bastante inferior al primero que es, sin lugar a dudas, uno de los discos más importantes en la historia del rock, con temas tan imposibles como "Personality Crisis", "Looking for a Kiss" o "Pills", de ese rock 'n' roll crudo y desposeído con el que tanto nos gusta afiebrarnos.
"All about that Personality Crisis you got it while it was hot
But now frustration and heartache is what you got"
La banda se separó hacia fines del '74 por tensiones entre los miembros y, por supuesto, "drug-related problems". A pesar de que Johannsen continuó con su carrera solista bajo el seudónimo de Buster Poindexter, fue verdaderamente Johnny Thunders quien amplió los límites de genialidad del género al fundar, posteriormente, The Heartbreakers junto a otro hito del rock: Richard Hell de Television y editar, en el '78 lo que fuera el único disco de esta banda: "L.A.M.F., the lost '77 mixes".
La curiosidad es que el mismo Malcom McLaren fue manager de los New York Dolls previamente a "descubrir" y convertirse en uno de los principales ideólogos de The Sex Pistols, acaso una de las bandas más importantes en la historia del rock, fundadora del punk rock. Es cabal como, incluso, la superficialidad propia del glam rock como tópico estaba presente en la banda londinense, lo cual es un sólido argumento en contra de cualquier intento de "anarquización" del movimiento punk que, en sus inicios, era completamente apolitico y más cercano de una reacción generacional highschool "anti-todo" que de la revolución en estos términos ideológicos. Y por eso yo siempre diré que el anarco-punk es un producto desviado de medio mentiritas, pero ese es, realmente, otro tema.
6.12.04
Cortar
Sabotaje!
Rebelión!
Desobediencia!
Agitación!
Muy a pesar de que el rock español no suele ser de mis favoritos de entre todos los paises del globo (¿la polla? la polla está nomás que okey), ha sido el Pais Vasco quien, en 1983 vio nacer a una de las bandas más geniales (y más internacionales) de lo que luego sería conocido como "rock radical vasco".
Con el mítico Fermín Muguruza en voz y guitarra, los 80's estubieron signados en España por una continuación directa de The Clash que, bajo el nombre de Kortatu, implicó una de las revoluciones más sonantes para el rock de habla hispana, pure avant-garde in the frontline.
Entre otras cosas, es de Kortatu el primer tema dub en tierras ibéricas ("Desmond Tutú"), y es aún más esa particular fusión entre punk y ska tan popular entre las bandas de rock españolas (si amigos... Ska-p no hubiese existido de no ser por Kortatu... de hecho, dudo que Karamelo Santo fuese algo sin Kortatu :P), influyendo con su sonido tan caracteristico a las cientos de bandas posteriores del género.
Esta banda cuenta en su haber con cuatro discos: "Kortatu" (1985), "El estado de las cosas" (1986) y "Kolpez Kolpe" (que significa, en vasco, "Golpe a Golpe", de 1988) son sus tres discos de estudio. El cuarto es un disco en vivo "Azken Guda Dantza" (1988). Imposible bajar la guardia.
La evolución de la banda los llevó, en último disco, a virar fuertemente hacia una radicalización de su identidad vasca y el activismo político a través de letras que, en "Kolpez Kolpe" por ejemplo, dejaron sin lugar al idioma español. Sin embargo, y a pesar de esto, jamás perdió la genialidad. Ha sido Kortatu, incluso, quien en este último disco formó parte de la gestación del "hardcore", quien para estos años estaba naciendo en el suelo americano, como una forma más furiosa y rápida de tocar un ritmo ya de por sí furioso y rápido: el punk.
"aunque esté todo perdido
siempre queda molestar"
Sirvase helado. En la línea del frente.
Rebelión!
Desobediencia!
Agitación!
Muy a pesar de que el rock español no suele ser de mis favoritos de entre todos los paises del globo (¿la polla? la polla está nomás que okey), ha sido el Pais Vasco quien, en 1983 vio nacer a una de las bandas más geniales (y más internacionales) de lo que luego sería conocido como "rock radical vasco".
Con el mítico Fermín Muguruza en voz y guitarra, los 80's estubieron signados en España por una continuación directa de The Clash que, bajo el nombre de Kortatu, implicó una de las revoluciones más sonantes para el rock de habla hispana, pure avant-garde in the frontline.
Entre otras cosas, es de Kortatu el primer tema dub en tierras ibéricas ("Desmond Tutú"), y es aún más esa particular fusión entre punk y ska tan popular entre las bandas de rock españolas (si amigos... Ska-p no hubiese existido de no ser por Kortatu... de hecho, dudo que Karamelo Santo fuese algo sin Kortatu :P), influyendo con su sonido tan caracteristico a las cientos de bandas posteriores del género.
Esta banda cuenta en su haber con cuatro discos: "Kortatu" (1985), "El estado de las cosas" (1986) y "Kolpez Kolpe" (que significa, en vasco, "Golpe a Golpe", de 1988) son sus tres discos de estudio. El cuarto es un disco en vivo "Azken Guda Dantza" (1988). Imposible bajar la guardia.
La evolución de la banda los llevó, en último disco, a virar fuertemente hacia una radicalización de su identidad vasca y el activismo político a través de letras que, en "Kolpez Kolpe" por ejemplo, dejaron sin lugar al idioma español. Sin embargo, y a pesar de esto, jamás perdió la genialidad. Ha sido Kortatu, incluso, quien en este último disco formó parte de la gestación del "hardcore", quien para estos años estaba naciendo en el suelo americano, como una forma más furiosa y rápida de tocar un ritmo ya de por sí furioso y rápido: el punk.
"aunque esté todo perdido
siempre queda molestar"
Sirvase helado. En la línea del frente.
5.12.04
"El exceso y/o abuso de drogas y alcohol es perjudicial para tu salud... ¡Cuidate, nadie lo hará por vos!" es el extensísimo título del que para mí es uno de los mejores discos en la historia del rock nacional.
Editado en 1995 por Flema, el disco tiene 20 temas que promedian apenas más de media hora de podridísimo rock n roll. Es en este disco donde figuran clásicos de la banda, como el recitado previo a "Metamorfosis adolescente", poesía himno del punk, u "Hombre Vicioso", excelente manifiesto rancio generacional.
Si a mi me preguntan, este disco ocupa el puesto numero 1 en el top 5 de discos imprescindibles de rock local. Spinetta, Charly y etcéteras la chupan.
+Letras:
Editado en 1995 por Flema, el disco tiene 20 temas que promedian apenas más de media hora de podridísimo rock n roll. Es en este disco donde figuran clásicos de la banda, como el recitado previo a "Metamorfosis adolescente", poesía himno del punk, u "Hombre Vicioso", excelente manifiesto rancio generacional.
Si a mi me preguntan, este disco ocupa el puesto numero 1 en el top 5 de discos imprescindibles de rock local. Spinetta, Charly y etcéteras la chupan.
+Letras:
2.12.04
Home Sweet Home
Bueno amigos, un poco de actualidad por aquí, para no aburrirlos tanto con retrodélicas reseñas (que, a pesar de todo, continuarán en futuras ediciones versando sobre los temás más amplios).
Hoy a la mañana estube escuchando la entrevista de Mario Pergollini al Indio Solari, que al fin y al cabo salió del ostrasismo público y se decidió a regalarle a las masas ex-ricoteras un disco solita, llamado "El tesoro de los inocentes" o algo parecido. En la Rock & Pop pasaron 6 de los creo que 15 temas que componen el disco, a modo de presentación exclusiva. Y después de escuchar 5 de esos 6 con detenimiento (y astucia ¿?) no me cabe duda que, amén de la lúcidez que tiene el Indio para pronunciarse y disertar extensamente sobre temas de la "actualidad" (hasta usó el término "hipermodernidad", lo cual lo confirma como un lector asiduo de teoría socio-filosófica contemporánea, no cabe duda que sus análisis con muy acertados), el rock nacional is so fuckin' death.
En principio, el disco repite esa atmósfera pesada y recargada de Momo Sampler, pero peor! Más pesado y recargado y aburrido. Estaba cagado de sueño, y juro que casi me duermo. Por otra parte, el disco es absolutamente predicible. Es casi como que no hubiesen pasado los 4 años entre Momo Sampler y este disco, que, salvo algunas experimentaciones algo interesantes (pero still boring) como en el tema "Una piba de Blockbuster" (tipo, daah! "una piba con la remera de greenpeace"?!) q tiene unos vientos bastante copados y podridos que hacen un buen contrapunto en un tema que tiene una cadencia lentísima, como de síndrome de abstinencia (xq la onda es esa... es un disco de síndrome de abstinencia). El sonido del disco es EL MISMO del de Momo Sampler, y la voz del indio tiene la exacta misma disto. Evidentemente le pasó lo mismo que al bueno de Skay y no pudo escapar de su pasado ex-ricota. Resulta extraño que el disco solista de quien es considerado la persona más importante actualmente del rock nacional sea tan absurdamente poco innovador y embolante... parece una mala versión de un demodé "Desintegration", taaan denso!
No se... a mi no me gustó ni en pedo, pero fue una primera escuchada somera. Habrá que esperar a que aparezca masivamente en todos los programas de p2p y escucharlo un par de veces y concluir, con más certeza, que es una bosta aburrida. O que, por el contrario, es de una vanguardia tan genial que yo, tan estúpido, ni la entendí.
Más alla de esto, y como apartado final, rescato la lucidez del Indio para versar sobre temas de los más dispares, entre la modernidad, las corporaciones, la vigencia de su generación, el rock y cien mil etcéteras. Fue en un momento cuando dijo algo así como que "una canción no cambia el mundo, pero puedo decirte como una canción cambió mi forma de ver el mundo... y para mi, que soy medio constructivista, esto y lo primero es lo mismo". Genial!
Hoy a la mañana estube escuchando la entrevista de Mario Pergollini al Indio Solari, que al fin y al cabo salió del ostrasismo público y se decidió a regalarle a las masas ex-ricoteras un disco solita, llamado "El tesoro de los inocentes" o algo parecido. En la Rock & Pop pasaron 6 de los creo que 15 temas que componen el disco, a modo de presentación exclusiva. Y después de escuchar 5 de esos 6 con detenimiento (y astucia ¿?) no me cabe duda que, amén de la lúcidez que tiene el Indio para pronunciarse y disertar extensamente sobre temas de la "actualidad" (hasta usó el término "hipermodernidad", lo cual lo confirma como un lector asiduo de teoría socio-filosófica contemporánea, no cabe duda que sus análisis con muy acertados), el rock nacional is so fuckin' death.
En principio, el disco repite esa atmósfera pesada y recargada de Momo Sampler, pero peor! Más pesado y recargado y aburrido. Estaba cagado de sueño, y juro que casi me duermo. Por otra parte, el disco es absolutamente predicible. Es casi como que no hubiesen pasado los 4 años entre Momo Sampler y este disco, que, salvo algunas experimentaciones algo interesantes (pero still boring) como en el tema "Una piba de Blockbuster" (tipo, daah! "una piba con la remera de greenpeace"?!) q tiene unos vientos bastante copados y podridos que hacen un buen contrapunto en un tema que tiene una cadencia lentísima, como de síndrome de abstinencia (xq la onda es esa... es un disco de síndrome de abstinencia). El sonido del disco es EL MISMO del de Momo Sampler, y la voz del indio tiene la exacta misma disto. Evidentemente le pasó lo mismo que al bueno de Skay y no pudo escapar de su pasado ex-ricota. Resulta extraño que el disco solista de quien es considerado la persona más importante actualmente del rock nacional sea tan absurdamente poco innovador y embolante... parece una mala versión de un demodé "Desintegration", taaan denso!
No se... a mi no me gustó ni en pedo, pero fue una primera escuchada somera. Habrá que esperar a que aparezca masivamente en todos los programas de p2p y escucharlo un par de veces y concluir, con más certeza, que es una bosta aburrida. O que, por el contrario, es de una vanguardia tan genial que yo, tan estúpido, ni la entendí.
Más alla de esto, y como apartado final, rescato la lucidez del Indio para versar sobre temas de los más dispares, entre la modernidad, las corporaciones, la vigencia de su generación, el rock y cien mil etcéteras. Fue en un momento cuando dijo algo así como que "una canción no cambia el mundo, pero puedo decirte como una canción cambió mi forma de ver el mundo... y para mi, que soy medio constructivista, esto y lo primero es lo mismo". Genial!
1.12.04
Quicky
Do you remember lying in bed...?
Queridos amigos, ha llegado el post del día de la fecha, ansiosamente esperado por el grupo de rezagados lectores (no mayor a 3 o 4) que leen esta free-from-taxes bitácora rockeril.
He intentado, hasta este punto, el interesante ejercicio de pretender reseñar brevemente con ánimos de informar (y no de deslumbrar) acerca de algunos pasajes más o menos relevantes de la cultura del rock en las décadas del '60 y el '70, que son aquellas en las que esta se forma en su forma más positiva y que luego moldearán las versiones aggiornadas (salvo honrosísimas excepciones) de las décadas posteriores hasta la actualidad.
Sin embargo, viraremos en esta oportunidad (e inspirados en mi amiga Janis, pues sin ella nada de esto hubiese sido posible... y por "esto" me refiero a la creación del mundo desde el big bang en adelante) hacia el intento de hacer "metarock". Esto es, el rock tomándose a sí mismo como objeto de reflexión.
Esto es posible gracias a que, aunque usted no lo crea, existieron críticos de rock que han estado a la altura de su época y circunstancia, y que desde el rock han logrado configurar lo que yo considero, un género literario nuevo mezcla de literatura beatnick y discurso periodístico.
Este es el caso de Lester Bangs (born Leslie Conway Bangs) quien, en nuestra primera reseña, nombramos como autor del libro "Psychotic Reactions and Carburetor Bung" desde el cual acuñó el término "punk" para designar a ese tipo de música que fue el punk (claro está).
Lester Bangs nació en 1948, en California y muere en 1982 en Nueva York, de una sobredosis provocada por un cocktail raro que incluía Valium y algunas cosillas más. Entre medio de esos dos años, en 1969, Bangs comenzó su carrera como escritor freelance para la Rolling Stone, de la que luego será despedido en 1973 por ser "despectivo con los artistas". Su estilo, que reconoce, según él mismo, a William S. Burroughs como principal influencia, fusionaba la confrontación histérica del insulto con los recursos clásicos de la literatura beatnick en la composición de sus críticas y reviews musicales.
"Punk" era una palabra que Lester utilizaba frecuentemente: en 1968 escribió una novela autobiográfica titulada "Drug Punk", inédita. Lo que Bangs realmente quería decir con "punk" podría ser debatido, pero es claro que al utilizar el término evocaba una actitud hacia la música. De su libro "Psychotic Reactions...":
"It wasn't until much later, drowning in the kitschvats of Elton John and James Taylor, that I finally came to realize that grossness was the truest criterion for rock 'n' roll, the cruder the clang and grind the more fun and longer listened-to the album would be." (Cuya traducción aproximada y poco confiable hecha por mi es: "No fue hasta mucho más tarde, emborrachándome en los kitschvats de Elton John y James Taylor que finalmente me di cuenta que esa ordinariez era el verdadero criterio para el rock 'n'roll, cuánto más crudo, metálico y demoledor era, más tiempo escuchaba y más divertido me parecía un disco"). Y luego: "... it was just that he couldn't stand ineptitude of any kind in music, which was perfectly reasonable, while I dug certain outrageous brands of ineptitude the most!" (Idem: "... era simplemente que el no podía soportar ningún tipo de ineptitud en la música, lo cual era perfectamente razonable, mientras yo ponía mucho empeño en desentrañaba ciertos violentos y ultrajantes tipos de ineptitud").
Para completar y terminar, he encontrado, investigando, un excelente texto de Lester Bangs traducido al español: "Cómo ser un crítico de rock", a partir del cual, emulando a un rabioso Bukowski que enseña a escribir poesía, devela los secretos sobre su profesión con el estilo cáustico y abrasivo de la ironía. La traducción no es del todo buena (de vez en cuando aparece el término "hueon"), pero no es tampoco tan necesaria pues todo Lester Bangs está allí.
Finalmente mencionaré (al pasar) la película "Almost Famous" (2000), en donde un pibito se larga como crítico freelance para la Rolling Stone acompañando a una banda de rock en un "alocado" (montaña rusa) tour, durante el cual se encontrará con Lester Bangs (interpretado por Philip Seymour Hoffman).
Links:
The Lester Bangs Resource in RockCritics.com <http://www.rockcritics.com/archives/bangs.html>
"Hola, soy Lester, pasame un trago", originalmente en el diario Pagina/12. <http://www.super45.cl/articulos/lester2.htm>
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noviembre 2004 diciembre 2004 enero 2005 febrero 2005
